Les pedí que sonrieran // I asked them to smile (by Jay Weinstein)

“Diciembre de 2013. Estaba en un viaje fotográfico en Bikaner, en los desiertos de Rajastán, India. Cerca de la concurrida estación de trenes, vi a un hombre al que quería fotografiar, vacilé, la mirada en su ojo y su duro y severo aspecto me intimidó. ¡Es siempre ese momento de vacilación el que mata una toma! Acabé evitándolo y fotografiando otros sujetos hasta que oí su voz jovial, “Toma mi foto también!”.

La lente de la cámara enfocada, mi dedo se puso a disparar. “Sonríe”, grité. Y se transformó. Su rostro irradiaba calidez, sus ojos brillaban con un humor que yo añoraba por completo. Incluso su postura se suavizó. Supe entonces cuál sería mi próximo proyecto. Así que nació “Les pedí que sonrieran”. Quería documentar el efecto de la sonrisa humana en una cara desconocida.

Durante los días, meses y años que siguieron, pedí a gente al azar en mis aventuras fotográficas (sobre todo en las calles de la India) que posaran sin y con una sonrisa. Estas imágenes son el corazón de mi proyecto. Su objetivo es recrear la mentalidad con la que vemos a un extraño, y luego ver como nuestras suposiciones se transforman con su sonrisa.

Así que no hay nombres. Ni ocupaciones. No hay religiones o etnia confirmada. Ninguna intrigante lección de vida o anécdotas que rasguen el corazón. Sólo un rostro humano. Sin y con una sonrisa.”

— Jay Weinstein

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“December 2013. I was on a photography trip to Bikaner, in the deserts of Rajasthan, India. Near the busy train station, I saw a man I wanted to photograph. I hesitated. The look in his eye and his stony, stern look intimidated me. It’s always that moment of hesitation that kills a shot! I ended up avoiding him and photographing other subjects until I heard his jovial voice, “Take my picture too!”.

Camera lens focused, my finger poised to fire. ‘Smile’, I called out. And he was transformed. His face radiated warmth, his eyes sparkled with a humor I had completely missed. Even his posture softened. I knew then what my next project would be. So “I asked them to smile” was born. I wanted to document the effect of the human smile on a strangers face.

In the days, months and years that followed, I asked random people on my photography adventures (mostly on the streets of India) to pose unsmiling and with a smile. These images are the heart of my project. Its goal is to recreate the mindset from which we view a stranger, and then witness as our assumptions transform with their smile.

So there are no names. No occupations. No confirmed religions or ethnicity. No intriguing life lessons or heart strumming anecdotes. Just one human face. Without, and with a smile.”

— Jay Weinstein

(via: http://www.boredpanda.com/so-i-asked-them-to-smile/)

Jarred & Displaced (by Christoffer Relander)

Christoffer Relander ha estado durante más de un año recolectando paisajes en tarros. Cada imagen esconde un hermoso paisaje en blanco y negro que se ve realzado por la pátina que consigue mediante el uso de su cámara analógica, una Mamiya RB67 Pro SD Medium Format SLR.

Christoffer Relander nació en Finlandia diciembre de 1986 y se crió en el campo de Ekenäs. Su interés por el arte comenzó a muy temprana edad, pero no fue hasta que sirvió en los Marines finlandeses, entre 2008 y 2009, cuando se enamoró de la fotografía.
En la actualidad trabaja como fotógrafo a tiempo completo.

Sobre su proceso de trabajo, Christoffer Relander explica:
«La realidad puede ser realmente hermosa, pero lo surrealista a menudo me absorbe. La fotografía para mí es una forma de expresar y estimular mi imaginación. La naturaleza es simplemente el mundo. Con las técnicas alternativas y experimentales que aporta la cámara, como las exposiciones múltiples, soy capaz de crear obras de arte que de otra manera sólo sería posible a través de la pintura o la manipulación digital en un software externo».

En Jarred & Displaced el fotógrafo finés afirma haber «realizado un sueño infantil». Relander juega con la idea de ser «un coleccionista ambicioso», que disfruta conservando sus ambientes en una gran colección personal. Fotografías todas ellas, llenas de melancolía, nostalgia y anhelos del pasado. «La mayoría de los paisajes son de donde crecí –dice–, en el campo en el sur de Finlandia, donde mis raíces todavía están vivas. La ansiedad de separación de mi infancia es simplemente lo que me absorbió en este proyecto».

Mediante exposiciones múltiples, Relander es capaz de manipular sus fotografías analógicas en la cámara. Destacar que en este proyecto el autor no ha utilizado ningún software externo como Photoshop. Todas las dobles exposiciones se han tomado en una película de medio formato que posteriormente Christoffer Relander ha desarrollado y escaneado. Estos bellos paisajes son impresos en papel de calidad museo y están disponibles en ediciones limitadas.

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Christoffer Relander has been for more than a year collecting landscapes in jars. Each image hides a beautiful black and white landscape that is enhanced by the patina he gets by using his analog camera, a Mamiya RB67 Pro SD Medium Format SLR.

Christoffer Relander was born in Finland in December 1986 and grew up in the Ekenäs camp. His interest in art began at a very early age, but it was not until he served in the Finnish Marines, between 2008 and 2009, when he fell in love with photography.
He currently works as a full-time photographer.

About his work process, Christoffer Relander explains:
“Reality can be really beautiful, but the surreal often absorbs me. Photography for me is a way of expressing and stimulating my imagination. Nature is simply the world. With the alternative and experimental techniques provided by the camera, such as multiple exposures, I am able to create works of art that would otherwise only be possible through painting or digital manipulation in external software.”

In Jarred & Displaced the Finnish photographer claims to have “made a childish dream”. Relander plays with the idea of ​​being “an ambitious collector”, who enjoys preserving his environments in a large personal collection. Photographs all of them, full of melancholy, nostalgia and yearnings of the past. “Most of the countryside is where I grew up,” he says, “in the countryside in southern Finland, where my roots are still alive. The separation anxiety of my childhood is simply what absorbed me in this project.”

Through multiple exposures, Relander is able to manipulate his analog photographs in the camera. Note that in this project the author has not used any external software such as Photoshop. All the double expositions have been taken in a medium format film that Christoffer Relander has subsequently developed and scanned. These beautiful landscapes are printed on museum quality paper and are available in limited editions.

(via: http://graffica.info/christoffer-relander-foto/)

3 copas después // 3 glasses after (by Marcos Alberti)

Hay un dicho sobre el vino, “la primera copa de vino es un asunto de comida, la segunda copa es sobre el amor, y la tercera copa se trata de alboroto”, dice el fotógrafo brasileño Marcos Alberti. Según cuenta, el proyecto “3 Copas después” comenzó siendo una broma, como un juego después de horas”, durante la cual fotografió a sus amigos después de una, dos y tres copas de vino.
“La primera imagen fue tomada de inmediato cuando nuestros invitados acababan de llegar al estudio”, explica Alberti, “con el fin de capturar el estrés y la fatiga después de… trabajar todo el día”. Como las imágenes revelan, sin embargo, una sonrisa o un toque de aturdimiento pronto comienza a arrastrarse en las imágenes. Para el último disparo, muchos de los amigos de Alberti apenas pueden contener su alegría!

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There’s a saying about wine, “the first glass of wine is all about the food, the second glass is about love, and the third glass is about mayhem”, says Brazilian photographer Marcos Alberti. According to him, the “3 Glasses after [project]” started as a joke like a game after hours”, during which he photographed his friends after one, two, and three glasses of wine.
“The first picture was taken right away when our guests have just arrived at the studio,” explains Alberti, “in order to capture the stress and the fatigue after… working all day”. As the pictures reveal, however, a smile or a hint of goofiness soon begins to creep into the photos. By the last shot, many of Alberti’s friends can scarcely contain their mirth!

(via: http://www.boredpanda.com/how-alcohol-affects-people-mood-wine-project-marcos-alberti/)

Dura decisión // Hard decision (by Edgaras Vaicikevicius)

Imagina esto…
Eres un padre de 5 niños, el menor de los cuales tiene 5 años.
La única riqueza que tienes a tu nombre es tu esposa e hijos.
Todos los días trabajas en tu granja, despertando antes del amanecer y regresando a casa tarde por la noche… sólo para conseguir 250 € al mes.
Después de regresar un viernes por la tarde de otro día de trabajo agotador, te fijas en la casa sin terminar que tus hermanos te estaban ayudando a construir… y todo lo que ves es una chabola. Sólo una habitación y una cocina donde los 7 miembros de tu familia deben vivir.
Ves un techo y ventanas parcheadas que apenas tienen un marco.
Sabes que necesitas comprar el aislamiento para la casa… se acerca el invierno y la casa no va a mantener cálida a tu familia cuando las temperaturas golpeen por debajo de -15 grados.
Pero hoy, tienes que decidir si el dinero que tienes en el bolsillo va al ahorro para el aislamiento, o alimentar a tus hijos.
¿Puedes imaginar una vida así?

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Imagine this…
You’re a father to 5 children, the youngest of which is 5 years old.
The only wealth you have to your name is your wife and your children.
Every day you work on your farm, waking up before dawn and coming home late in the evening … only to make 250€ a month.
Having returned one Friday evening from another day of backbreaking work, you look up at the unfinished house your brothers were helping you build … and all you see is a shack. Just one room and one kitchen that all 7 members of your family must live in.
You see a patched roof and windows that barely have a frame.
You know that you need to buy insulation for the house … winter is approaching and the house won’t keep your family warm when the temperatures hit below -15 degrees.
But today, you have to decide if the money you have in your pocket goes towards saving for insulation, or feeding your children.
Can you imagine a life like this?

(via: https://www.lensculture.com/explore?category_id=8&modal=true&modal_type=project&modal_project_id=115545)

Gente del siglo 21 // People of the twenty first century (by Hans Eijkelboom)

Nos creemos diferentes pero parecemos todos iguales.

Este interesante proyecto fotográfico de Hans Eijkelboom merece una mención. Es una recopilación de cientos y cientos de fotos que muestran personas diferentes con el mismo aspecto. Generalmente son escenas callejeras en las que casi todo el mundo aparece con el mismo look: misma ropa, complementos o incluso aspecto corporal: peinados, silueta y hasta posturas. Quizá todo el mundo piensa para sí mismo que «es diferente» pero por fuera la verdad es que se nos ve bastante iguales.

Las fotos fueron capturadas en cualquier parte desde Amsterdam a Nueva York, de París a Shanghai. Después de seleccionar una zona peatonal concurrida en la ciudad, Eijkelboom pasaría horas en un momento observando a los transeúntes y centrándose en una determinada cosa…
Las instantáneas de Eijkelboom serían silenciosas y reservadas, capturadas con una cámara alrededor de se cuello accionada por un disparador remoto que guardaba en su bolsillo. Una vez de vuelta en su estudio, Eijkelboom organizaba las imágenes en cuadrículas.

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We believe we all are different but we look like equal.

This interesting photo project by Hans Eijkelboom deserves a mention. It is a compilation of hundreds and hundreds of photos showing different people with the same appearance. They are usually street scenes in which almost everyone appears with the same look: same clothes, accessories or even body shape: hairstyles, and even poses silhouette. Maybe everyone thinks to himself that “different” but outside the truth is that we looked pretty equal.

The photos were captured everywhere from Amsterdam to New York and Paris to Shanghai. After selecting a busy pedestrian area in the city, Eijkelboom would spend up to hours at a time observing passers-by and focusing on a certain thing…
Eijkelboom’s snapshots would be silent and secretive, captured with a camera around his neck triggered by a remote shutter release kept in his pocket. Once back in his studio, Eijkelboom arranged the images into grids.

(via: http://www.microsiervos.com/archivo/fotografia/nos-creemos-diferentes.html http://petapixel.com/2014/12/23/photographer-creates-grids-showing-people-city-streets-look/)

Sabiduría para mis hijos // Wisdom for my children (by Brandon Kidwell)

El fotógrafo de Florida, Brandon Kidwell, ha estado trabajando en un proyecto a lo largo de su vida llamado “Sabiduría para mis hijos” (“Wisdom for my children”). Es una serie de bonitas fotos de doble exposición resultado de experiencias reales que Kidwell experimentó mientras criaba a sus hijos. Cada una de las imágenes “es un símbolo de algún pequeño consejo que les dí”, escribió.

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Florida-based photographer Brandon Kidwell has been working on a lifelong project called “Wisdom for My Children.” It’s a series of beautiful double exposure photos that resulted from real experiences Kidwell went through while raising his kids. Each of the images “is symbolic of some piece of advice that I gave them,” he writes.

“Ser libre significa tener el coraje de dejar marchar” // “Being free means having the courage to let go” :

“Para encontrar la verdad, a veces tienes que llegar a la oscuridad” // “To find truth, sometimes you have to reach into the darkness” :

“El fracaso y el arrepentimiento están reservados para aquellos que temen llegar a su corazón” // “Failure and regret are reserved for those who are afraid to reach with their heart” :

“Mira a los demás para orientarte, mira dentro para encontrar tus verdades” // “Look to others for guidance, look within to find your truths” :

“Para seguir a tu corazón, debes primero encontrar tu mente” // “In order to follow your heart, you must first find your mind” :

“Se consciente de las carreteras que eliges, te llevarán a donde estás yendo!” // “Be mindful of the roads you choose, they will take you where you are going!” :

“El tiempo perdido nunca se vuelve a encontrar” // “Lost time is never found again” :

“A veces lo que más tememos es solamente algo que no hemos conseguido comprender” // “Sometimes what we fear the most is only something we haven’t grasped an understanding of” :

“La vida a menudo se aprecia mejor al andar tu camino paso a paso” // “Life is often best appreciated by walking your path one step at a time.” :

“Para encontrar tu valor, debes encontrar antes tus miedos” // “To find your courage, you must first find your fears” :

(via: http://petapixel.com/2015/04/22/life-lessons-shared-with-double-exposure-photos/)

Nunca Hogar // Never Home (by Bilo Hussein)

Mientras crecía en Arabia Saudí, mis padres sudaneses frecuentemente me recordaban que el condado donde vivíamos no era nuestra casa. No fue hasta años después cuando entendí las implicaciones de esto – que podría llegar a ser imposible para mí pertenecer a ninguna cultura y que no había lugar que cómodamente pudiera llamar casa. Estos sentimientos ya crecidos son la base para “Nunca Hogar” (“Never Home”).

“Nunca Hogar” es un proyecto aún en curso, impulsado por el sentido de la segregación en la religión, la cultura y el género que experimenté cuando era niña en Arabia Saudí. También expreso mi continuo deseo de encontrar un lugar donde pueda encajar, independientemente de la creencia. Sin embargo, como una tercera cultura individual a menudo me pregunto si el hogar es el lugar donde pasas físicamente la mayor parte de tu vida? ¿Es un lugar al que sientes que perteneces? ¿O es simplemente un país del que eres ciudadano?

La forma de vida más crítica en la que me vi obligada a participar como niña fue el catalizador que me llevó a tomar una cámara y utilizarla para conectar con gente que yo no hubiera sido previamente autorizada a aceptar. En lugar de tratar de comprender el significado de hogar a través de mis propios sentimientos y pensamientos, decidí crear retratos de mujeres como yo, que se habían trasladado recientemente a New York City desde un pasado diferente al mío.

Para encontrar estas mujeres, comencé con mi círculo inmediato de conocidos, y luego empecé a llegar a los extraños. Les pregunto a todas si sentían que habían sido capaces de encontrar el mismo nivel de comodidad en New York City. Les pregunté si sentían que pertenecían a aquí, si lo consideraban hogar, y si todavía echaban de menos el lugar desde el que habían venido. Haciendo estas preguntas descubrí nuestros puntos en común como mujeres, independientemente de su origen.

Dado que fui a organizar y disparar los retratos, dirigí mis sujetos a pensar acerca de su experiencia formativa en su cultura de origen – en lo bueno y lo malo. Me encontré casi inconscientemente colocándolos junto a una ventana, por razones más allá de su valor como fuente de luz. Me di cuenta de que ellas estaban realmente haciendo que yo me sentara junto a la ventana como una niña, encerrada en nuestra casa de Jeddah preguntándose si alguna vez dejaría este lugar, si encontraría otra tierra que honestamente pudiera llamar hogar. Me di cuenta de que yo estaba tratando de encontrarme a mí misma en los demás y que las fotografías eran introspectivas, y casi como autorretratos.

Las capas de imágenes adicionales y texturas que incorporo en estas imágenes en post-procesamiento adicional están destinadas a evocar los pensamientos y sentimientos de mis sujetos. Estas capas consisten en lugares y patrones de los que me he enamorado desde mi propio traslado a New York City. Estas imágenes internas quieren significar el proceso de aceptar una nueva cultura como propia, que yo misma estoy haciendo poco a poco. Pero también dicen que dentro de cada persona desplazada hay una abundancia de emoción, pensamiento y experiencia que en muchas culturas a las mujeres no se les permite compartir.

— Bilo Hussein

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When I was growing up in Saudi Arabia, my Sudanese parents often reminded me that the county we lived in was not our home. It was only years later that I understood the implications of this – that it might become impossible for me to belong to any culture and that there was no place I could comfortably call home. These grownup feelings are the basis for Never Home.

Never Home is an ongoing project driven by the sense of segregation in religion, culture and gender that I experienced as a child in Saudi Arabia. I also express my continuing wish to find a place where I can fit in regardless of belief. Yet, as a third culture individual I often wonder if home is the place where you physically spend the most of your life? Is it a place you feel you belong to? Or is simply a country that you are a citizen of?

The judgmental way of life in which I was forced to participate as a child was the catalyst that led me to pick up a camera and use it to connect with people I had previously not been allowed to accept. Rather than trying understand the meaning of home through my own feelings and thoughts, I chose to create portraits of women such as myself, who had recently moved to New York City from a different background than my own.

To find these women, I started with my immediate circle of acquaintances, and then began to reach out to strangers. I ask them all if they felt they had been able to find the same level of comfort to New York City. I asked them if they felt they belonged here, if they considered it home, and if they still missed the place they’d come from. In asking these questions I discovered our commonalities as women, regardless of origin.

As I went on to arrange and shoot the portraits, I directed my subjects to think about their formative experience in their culture of origin – on the good and the bad. I found myself almost subconsciously placing them next to a window, for reasons beyond its value as a light source. I came to the realization that they were really me sitting by the window as a child, locked up in our house in Jeddah wondering if I were ever to leave this place if would find another land I could honestly call home. I realized that I was trying to find myself in others and that the photographs were introspective, and almost like self-portraits.

The layers of additional images and textures I incorporate into these images in post processing are meant to evoke the very thoughts and feelings of my subjects. These layers consist of places and patterns I have fallen in love with since my own move to New York City. These internal images are meant represent the process of coming to accept a new culture as one’s own, which I myself am slowly doing. But they are also saying that inside each displaced person is an abundance of emotion, thought and experience that in many cultures women are not allowed to share.

— Bilo Hussein

(via: http://www.bilohussein.com/never-home/)

Un viaje fotográfico imaginario // An imaginary photographic trip (by Zilla van den Born)

No es ningún secreto que la mayoría de nosotros vemos la vida de nuestros amigos y familiares, al menos parcialmente, a través del filtro de los medios sociales – pero cómo de grande es la diferencia entre la realidad y lo que vemos en Facebook? La diseñadora gráfica y estudiante Zilla van den Born, de 25 años, fingió unas vacaciones de cinco semanas por el sudeste de Asia con el fin de investigar sólo esa pregunta. Los resultados son tan fascinantes como misteriosos.

Van den Born, que vive en Amsterdam, creó el proyecto como parte de su carrera universitaria. “Todo el mundo sabe que las fotografías de modelos son manipuladas. Pero solemos pasar por alto el hecho de que manipulamos la realidad también en nuestras propias vidas”, dijo a Oddity Central. En consecuencia, se inventó un esquema destinado a mostrar lo mucho que manipulamos la imagen de nuestras propias vidas en los medios sociales. “Creamos un mundo ideal online que la realidad ya no puede cumplir”, explicó. “Mi objetivo era demostrar lo común y fácil que es distorsionar la realidad.”

Por lo que los amigos y familiares de van den Born sabían, ella pasó sus vacaciones viajando por Tailandia, Camboya y Laos. Van den Born publicó fotos en su página de Facebook de todas sus aventuras, manteniendo a todos actualizados a medida que ella hacía cosas: hizo snorkel; viajó en tuk-tuks; visitó los templos budistas; comió comidas increíbles; y compró un montón de recuerdos. Incluso comunicó por Skype con sus seres queridos desde su habitación del hotel. En realidad, sin embargo, van den Born pasó esas cinco semanas en su casa en Amsterdam, creando cuidadosamente sus falsas vacaciones. Manipuló con Photoshop todas las imágenes que publicó en su página de Facebook, o bien hizo sus comidas o las pidió en restaurantes asiáticos, y compró sus recuerdos en tiendas locales. La única persona a la que dejó entrar en el secreto fue su novio.

Al final de todo, desenmascaró su engaño, asegurándose de capturar en video las reacciones de sus amigos y miembros de la familia. Algunos de ellos estaban asombrados; muchos estaban confusos; y algunos estuvieron realmente enojados.

Puedo entender cierto tipo de ira; habla del mayor intento de manipulación en Internet. Es por eso que hubo una reacción tan fuerte a la, de alguna manera, experimentación poco ética de Facebook en sus usuarios – no nos gusta que nos mientan, y no nos gusta ser convertidos en sujetos de investigación sin nuestro conocimiento.

Pero al mismo tiempo, creo que mereció la pena hacer el experimento. Una gran cantidad de investigaciones se han realizado en los últimos años, detallando el efecto de Facebook y otras redes sociales alimentando lo que sentimos por nuestras propias vidas; también sabemos que la forma en que cuidamos la imagen de nuestras vidas online revela una cantidad sorprendente de lo que realmente está sucediendo. Pero aunque estos estudios están muy bien a nivel teórico, no siempre somos capaces de interiorizar las lecciones que nos enseñan. El experimento de Van den Born sirve como un recordatorio más visceral de que todos haríamos bien en tomar todo en las redes sociales con una pizca de sal. Seguro, las actualizaciones de esa persona podrían hacernos sentir celosos de la vida aparentemente perfecta que viven, pero por lo general hay más de ello de lo que solo vemos – y lo mismo ocurre con nuestra propia vida, también.

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It’s no secret that most of us view the lives of our friends and family at least partially through a filter of social media — but how big is the difference between reality and what we see on Facebook? Graphic designer and student Zilla van den Born, 25, faked a five-week vacation in Southeast Asia order to examine just that question. The results are as fascinating as they are eerie.

Van den Born, who lives in Amsterdam, created the project as part of her university course. “Everybody knows that pictures of models are manipulated. But we often overlook the fact that we manipulate reality also in our own lives,” she said to Oddity Central. Accordingly, she concocted a scheme intended to show how much we manipulate the image of our own lives on social media. “We create an online ideal world which reality can no longer meet,” she explained. “My goal was to prove how common and easy it is to distort reality.”

As far as van den Born’s friends and family knew, she spent her vacation traveling through Thailand, Cambodia, and Laos. Van den Born posted photos on her Facebook page of all her adventures, keeping everyone updated as she went: She went snorkeling; she traveled in tuk-tuks; she visited Buddhist temples; she ate amazing meals; and she bought plenty of souvenirs. She even Skyped with her loved ones from her hotel room. In reality, though, van den Born spent those five weeks at home in Amsterdam, carefully crafting her fake vacation. She Photoshopped all the images she posted on her Facebook page, either made her meals or ordered them from Asian restaurants, and purchased her souvenirs from local stores. The only person she let in on the secret was her boyfriend.

At the end of it all, she unmasked her deception, making sure to capture her friends’ and family members’ reactions on video. Some of them were amazed; many were confused; and some were actually angry.

I can kind of understand the anger; it speaks to the greater issue of manipulation on the Internet. It’s why there was such a strong reaction to Facebook’s somewhat unethical experimentation on its users — we don’t like being lied to, and we don’t like being turned into research subjects without our knowledge.

But at the same time, I think the experiment was well worth doing. A lot of research has been done in recent years detailing the effect of our Facebook and other social media feeds on how we feel about our own lives; we also know that how we curate the image of our lives online reveals a surprising amount about the reality of what’s actually going on. But although these studies are all well and good on a theoretical level, we’re not always able to internalize the lessons they teach us. Van den Born’s experiment serves as a more visceral reminder that we would all do well to take everything on social media with a grain of salt. Sure, that person’s updates might make us jealous of the seemingly perfect life they live, but there’s usually more to it than just what we see — and the same goes for our own lives, as well.

Snorkel:

Budismo // Buddhism:

Skype falso // False Skype:

Fotografía // Photography:

El plan // Planning:

Comida “local” // “Local” food:

El regreso // The return:

Reacciones de familia y amigos // Family and friends reactions:

(via: http://www.bustle.com/articles/38979-dutch-woman-zilla-van-den-borns-fake-vacation-examines-how-social-media-filters-reality)

San Francisco reflejado en charcos // San Francisco reflected in puddles (by Angela May Chen)

“Esta serie de charcos alrededor de San Francisco ha sido recogida genuinamente después de casi todas las precipitaciones. Hay algo fascinante ver el mundo a través del filtro natural de un charco. Me gustó especialmente el proceso de tratar de encontrar un interés visual entre aceras mundanas, y tomar un segundo vistazo a lo que la mayoría de la gente trata de evitar entrar. Estas reflexiones me recuerdan la belleza oculta en la ciudad que parece que parecemos estar activos diariamente.” – Angela May Chen

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“This series of puddles around San Francisco has been genuinely collected overtime after almost every rainfall. There’s something fascinating about seeing the world through the natural filter of a puddle. I particularly enjoyed the process of trying to find visual interest among mundane sidewalks, and taking a second look at what most people try to avoid stepping in. These reflections remind me of the hidden beauty in the city that we seem to whiz by every day.” – Angela May Chen

(via: http://www.thebolditalic.com/articles/4890-san-francisco-reflected-in-puddles)

Aún aquí // Still here (by Lydia Goldblatt)

Cada imagen de la serie de Lydia Goldblatt, “Aún aquí,” es un detalle o una parte de un relato más amplio sobre el paso del tiempo. Las imágenes cuidadosamente compuestas juegan con las formas, las sombras y la luz. Con un toque suave, Goldblatt documentó a su madre y su padre, y los elementos en el hogar. “Si bien el trabajo es acerca de mi familia, también es un medio para contemplar la naturaleza de la vida y los lazos invisibles de amor”, dice Goldblatt en su declaración de artista. La serie fue publicada como un libro de tapa dura en 2013, y actualmente se encuentra en exhibición en Rick Wester Fine Art en la ciudad de Nueva York hasta el 1 de noviembre 2014.

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Each image in Lydia Goldblatt‘s series, “Still Here,” is a detail or piece of a larger narrative on the passing of time. The carefully composed images play with shapes, shadows and light. With a gentle touch, Goldblatt documented her mother and father, and elements at home. “While the work is about my family, it is also a means to contemplate the nature of life and the invisible bonds of love”, Goldblatt says in her artist’s statement. The series was published as a hardcover book in 2013, and is currently on display at Rick Wester Fine Art in New York City through November 1, 2014.

(via: http://potd.pdnonline.com/2014/10/28934)