Hermosas narrativas fotográficas producidas con el proceso de colodión húmedo // Beautiful photo narratives produced with the wet collodion process (by Alex Timmermans)

El fotógrafo autodidacta Alex Timmermans ha estado practicando la fotografía durante toda su vida. A lo largo de su carrera, toneladas de equipos digitales han estado fácilmente disponibles. Sin embargo, el artista descubre que prefiere trabajar con técnicas fotográficas tradicionales – particularmente el proceso de colodión húmedo. A través de este acercamiento a la fotografía, Timmermans produce retratos y finas fotografías artísticas llenas de elementos extraños y surrealistas que sugieren una variedad de narraciones interesantes.

El fotógrafo holandés goza de este acercamiento muy tradicional y con un propósito a la fotografía. Le puede llevar una hora para producir una composición única y hay muchos elementos incontrolables, incluyendo pequeñas diferencias en los productos químicos o cambios en el clima, que pueden dar lugar a sorpresas inesperadas. “Ver una imagen cambiando durante el baño de fijador, de negativo a positivo -es un espectáculo de magia que hace que valga la pena gastar tanto tiempo y energía en ello”, explica Timmermans.

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Self-taught photographer Alex Timmermans has been practicing photography his entire life. Over the course of his career, tons of digital equipment has become readily available. However, the artist finds that he prefers working in traditional photographic techniques —particularly the wet collodion process. Through this approach to photography, Timmermans produces portraits and fine art photographs filled with strange and surreal elements that suggest a variety of interesting narratives.

The Dutch photographer enjoys the very traditional and purposeful approach to photography. It can take a full hour to produce a single composition and there are many uncontrollable elements, including slight differences in chemicals or changing weather, that can result in unexpected surprises. “Seeing a picture changing in the fixer bath—from a negative to a positive—is a magic spectacle which makes it worthwhile to spend so much time and energy on it,” explains Timmermans.

(via: http://www.mymodernmet.com/profiles/blogs/alex-timmermans-collodion-photography)

Simulador de cámara réflex // SLR camera simulator

Si os gusta la fotografía y quereis aprender a utilizar los ajustes fotográficos básicos de una forma empírica, probad con este simulador de cámara reflex, en el que podréis jugar con la velocidad de obturación, apertura de diafragma, y demás ajustes fotográficos.

Para probar el simulador solo hay que hacer click sobre la imagen.

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If you like photography and you want to learn how to use basic photo settings in an empirical way, try with this SLR camera simulator, in which you can play with the shutter speed, aperture diaphragm, and other photographic settings.

To test the simulator you just have to click on the image.

Procesa este negativo con tu cerebro // Process this negative with your brain

Aquí hay algo que hará volar tu mente: fija la vista en los puntos de colores en la nariz de la chica durante 30 segundos y luego rápidamente mira a una pared blanca o al techo (o cualquier cosa de color blanco puro) y comienza a parpadear rápidamente. Felicidades, acabas de procesar un negativo con tu cerebro!

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Here’s something that’ll blow your mind: stare at the colored dots on this girl’s nose for 30 seconds, then quickly look at a white wall or ceiling (or anything pure white) and start blinking rapidly. Congratulations, you just processed a negative with your brain!

(via: http://www.petapixel.com)

Marte // Mars (by Curiosity)

Gracias a Curiosity, esta es una de las imágenes más claras de Marte jamás tomada.

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Thanks to Curiosity, this is one of the clearest images of Mars ever taken.

Astrofotografía // Astrophotography (by Thierry Legault)

Parecen motas de polvo en la superficie del sol, pero esos puntos negros eran las siluetas del transbordador espacial y la Estación Espacial Internacional.

Desde esta distancia, se puede apreciar la inmensidad del sol y del espacio. El sol está a 93 millones de kilómetros – varios órdenes de magnitud más allá de la lanzadera y la distancia orbital de la estación espacial de unos 250 kilómetros. Pero en comparación, el telescopio Hubble orbita a unos 350 kilómetros. Más aún es la muy desordenada órbita geoestacionaria de la Tierra – más de 22.000 kilómetros – la distancia a la que un objeto tarda 24 horas en orbitar la Tierra.

La foto de arriba fue tomada por el fotógrafo francés Thierry Legault, cuya especialidad es la toma de fotografías de eclipses solares, planetarios y tránsitos de satélites. Captó el momento sólo 50 minutos antes de que el Atlantis se acoplase a la ISS; para tomar la foto, viajó a Madrid para poder estar dentro de la estrecha banda de amplia visibilidad de ocho kilómetros que se extendía por España, sur de Francia y norte de Italia .

Es una imagen extraordinaria, teniendo en cuenta que el evento real fue visible sólo durante 0,54 de un segundo, debido a la velocidad de las dos naves espaciales. Para capturar el evento, Legault tenía que utilizar una velocidad de obturación extremadamente rápida, combinada con un pin hole del tamaño de la apertura.

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They look just like specks of dust on the surface of the sun, but those black dots were the silhouettes of the space shuttle and the International Space Station.

From this distance, you can really appreciate the immenseness of the sun and the space. The sun is 93 million miles away – several orders of magnitude farther than the shuttle and the space station’s orbital distance of some 250 miles. But comparison, the Hubble Telescope orbits at some 350 miles. Further still is the Earth’s much cluttered geostationary orbit – over 22,000 miles — the distance at which an object takes 24 hours to orbit the Earth.

The above photo was taken by the French photographer Thierry Legault, whose specialty is in taking pictures of solar eclipses, planetary and satellite transits. He caught the moment just 50 minutes before Atlantis docked with the ISS; to take the photo, he traveled to Madrid so he would be inside the narrow five-mile wide visibility band that stretched across Spain, southern France and Northern Italy.

It is an extraordinary image, considering that the actual event was visible for just 0.54 of a second, because of the speed of two spacecrafts. To catch the event, Legault had to use an extremely fast shutter speed, combined with a pin hole-sized aperture.

(via: http://iconicphotos.wordpress.com/)

Autochromes (by John B Trevor)

El proceso autochrome es el primer método exitoso para producir fotografías en color. El retrato de Emily Winthrop, de 1910, por John B. Trevor (mostrado arriba) es un clásico retrato de enfrentamiento directo del sujeto. Los suaves tonos de piel y pequeños reflejos rojos que detallan su expresión, son ejemplos de los delicados colores tipo-Impresionista de los autochromes y la evidencia asombrosa de un olvidado proceso del pasado.

En 1907, Auguste y Louis Lumière patentaron el primer proceso de color con éxito comercial, que llamaron Autochrome Lumiere. Se trataba de placas de cristal, luz de fondo, un snoot y, misteriosamente, fécula de patata. Esta combinación revolucionó la fotografía. A primera vista, el grano de la autochrome asemeja hoy al ruido digital no deseado. Pero es en realidad gránulos de almidón de patata en una matriz de tres colores. Estos pequeños puntos de color naranja-rojo, verde, violeta-azul dan a la imagen un aspecto nublado, reflexivo en el pasado.

El proceso autochrome utiliza placas de vidrio que eran recubiertas con una capa de almidón de patata mezclada con tintes de color que filtraba la luz antes de ser grabada en la emulsión. Producía una imagen granulada y positiva de colores pastel en una placa de vidrio. La placa sensibilizada autochrome duraba sólo unas pocas semanas. La emulsión era lenta, se necesitaban necesariamente exposiciones largas, y el proceso de revelado, a menudo realizado sobre la marcha, era difícil.

Los autocrhomes son hoy más frágiles y escasos en número, casi imposibles de mostrar en exposición, y en gran parte olvidados en la historia de la fotografía. Alfred Steiglitz y Edward Steichen, sólo por nombrar unos pocos, adoptaron las placas autochrome en sus prácticas. Steiglitz dijo: “Pronto el mundo será hecho en color, y el proceso Lumiere será responsable. Los Lumieres han dado al mundo un proceso que se ubicará en la historia de los inventos sorprendentes y maravillosos de aquellos otros dos franceses, Daguerre y Niepce.”

Al igual que el daguerrotipo y tintype, el autochrome era inmune a cualquier manipulación. Se podía hacer una exposición simple y revelada la placa, que era un pequeño objeto exclusivo, imposible de ampliar, difíciles de iluminar. El autochrome es simple en concepto, pero imposible de comprender, ¿cómo podrían dichos componentes tan simples producir una reliquia preciosa del pasado? Es difícil creer que estos vitrales de la capilla fotográfica realmente existieron alguna vez.

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The autochrome process is the first successful method for producing color photographs. John B. Trevor’s portrait of Emily Winthrop from 1910 (shown above) is a classic direct-confrontation portrait of the subject. The muted skin tones and bits of red highlights that detail her expression are examples of the autochrome’s delicate Impressionist-like colors and astonishing evidence of a forgotten process of the past.

In 1907 Auguste and Louis Lumiere patented the first commercially successful color process, which they called Autochrome Lumiere. It involved glass plates, a backlight, snoot and, mysteriously, potato starch. This combination revolutionized photography. At first glance, the graininess of the autochrome resembles today’s undesirable digital noise. But it’s actually the potato starch granules in a three-color matrix. These small dots of orange-red, green, and violet-blue give the image a cloudy, reflective porthole into the past.

The autochrome process uses glass plates that where coated with a layer of potato starch mixed with color dyes that filtered light before it was recorded on the emulsion. It surrendered a grainy, positive image of quiet pastels on a glass plate. The sensitized autochrome plate lasted only a few weeks. The emulsion was slow, exposures were necessarily long and the developing process, often done in the field, was difficult.

Today autochromes are more fragile and few in number, almost impossible to exhibit, and largely forgotten in the history of photography. Alfred Steiglitz and Edward Steichen, just to name a few, adopted autochrome plates in their practices. Steiglitz said, “Soon the world will be color-made, and the Lumiere will be responsible. The Lumieres have given the world a process which in history will rank with the startling and wonderful inventions of those two other Frenchmen, Daguerre and Niepce.”

Like the daguerreotype and tintype, the autochrome was immune to any manipulation. One could make a simply exposure and developed the plate, which was a small exclusive object, impossible to enlarge, difficult to illuminate. The autochrome is simple in concept but impossible to comprehend; how could such simple components could produce such a beautiful relict of the past? It is hard to believe that these stained glass windows of the photographic chapel truly ever existed.

(by Brian Paumier, via: http://fansinaflashbulb.wordpress.com/)

Fotografía multi-exposición // Multi-exposure photography (by Christoffer Relander)

Este es el arte de la fotografía multi-exposición. Esta maravillosa pieza de arte de la fotografía ha sido creada por Christoffer Relander. Todas las imágenes son realizadas “en la cámara” mientras se dispara con una Nikon D700. Después, los archivos fueron ajustados en contraste, convertidos a blanco y negro, y más o menos manipulados y quemados.

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This is the Art of multi-exposure photography. This wonderful piece of photography art is created by Christoffer Relander. All images are done “in-camera” while shooting with a Nikon D700. Afterwards, the files were contrast adjusted, black & white toned and more or less dodged and burned.

(via: http://www.wherecoolthingshappen.com/)

Comparativa cara a cara, iPhone 4S vs Canon 5D MkII // iPhone 4S vs Canon 5d MkII side by side comparison

“La mejor cámara es la que duerme contigo”. ¿Cuantas fotografías hemos dejado sin hacer por no tener nuestra cámara de fotos a mano? De repente la ves, está ahí, y ya pasó… si dispones de cámara, la foto es tuya o al menos puedes intentarlo. Sin tu cámara cerca, no importa que tengas la mejor del mundo, la fotografía no existe.

Disponer de un iPhone 4S en el bolsillo, puede resolver situaciones de una forma muy parecida a como lo haría una Canon 5D Mark II. O al menos eso quiere hacernos ver el autor de este video (que recomiendo ver a pantalla completa).

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“The best camera is the one that sleeps with you”. How many pictures we have left undone not have our camera handy? Suddenly you see, is there, and it happened … if you have camera, it is yours or you can at least try. Without your camera close, no matter if you have the best one in the world, the photo does not exist.

Having an iPhone 4S in your pocket, you can resolve situations in a very similar way as you would with a Canon 5D Mark II. Or so the author wants us to see on this video (I recommend to see full screen).

(via: http://www.gran-angular.net/)

Solarizaciones // Solarizations (by Man Ray)

Los biógrafos de Man Ray le presentan como un pintor frustrado y un fotógrafo accidental. A medio camino entre pintura y fotografía, fue un artista polifacético muy productivo que trabajó hasta su muerte en las diversas técnicas. Precursor del dadaísmo y el surrealismo que experimentó con la fotografía, llegó a dominar una técnica de laboratorio que se llama solarización (efecto que se obtiene sobre el negativo reexpuesto a la luz blanca durante el revelado y que también es conocida esta técnica, en la actualidad, como Efecto Sabattier). Su descubrimiento, al menos con posibilidades creativas, se atribuye a Man Ray.

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Man Ray’s biographers have him as a frustrated painter and an accidental photographer. In between painting and photography, he was a versatile artist who worked very productive in the various techniques until his death. Precursor of Dada and Surrealism and experimented with photography and mastered a laboratory technique called solarization (effect is obtained on the negative reexposed to white light during development and that this technique is also known, at present, like Effect Sabattier). This discovery, at least with creative possibilities, is attributed to Man Ray.

(via: http://aikun.wordpress.com/)

Feliz Día Mundial de la Fotografía Estenopeica // Happy Worldwide Pinhole Photography Day

Hoy se celebra el Día Mundial de la Fotografía Estenopeica.

Para los que no conocen el concepto, se describe muy brevemente como el método más antiguo para obtener fotografías: se basa en la construcción de una cámara sencilla utilizando una caja o recipiente oscuro al cual se le hace un agujero para que entre la luz e impresione un soporte fotográfico que se encuentra en su interior.

Hace unas semanas tuve la oportunidad de participar en una actividad organizada por la Asociación de Fotografía Estenopéica de mi ciudad, y en este caso ellos improvisaron unas “cámaras fotográficas” con simples botes de refresco. Nos entregaron una de estas cámaras a cada uno, y nos pidieron que hiciesemos una toma a nuestro criterio. La imagen que se encuentra al comienzo de esta entrada es la fotografía que yo realicé: coloqué mi bote de Coca-Cola en el suelo empedrado de la playa, quité la cinta aislante que actuaba a modo de obturador dejando libre el agujero en la chapa, conté mentalmente hasta 8 segundos, y volví a colocar la cinta aislante, cerrando el obturador.
Más abajo puede verse la imágen de la “cámara” que utilicé.

Quedé muy contento con el resultado, que comparto con vosotros hoy, Dia Mundial de la Fotografía Estenopeica.

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Today marks the World Day of Pinhole Photography.

For those unfamiliar with the concept, very briefly described as the oldest method for picture: it is based on building a simple camera using a box or dark container to which you make a hole to let in light and impress a photographic medium that is inside.

A few weeks ago I had the opportunity to participate in an activity organized by the Association of Pinhole Photography in my city, and in this case they improvised a “camera” with simple cans of soda. They gave us one of these cameras to everyone, and they asked us to take a picture at our discretion. The picture is at the beginning of this post is the photo that I realized: I put my Coke bottle on the floor paved on the beach, removed the tape acting as a shutter clearing the hole in the plate, mentally counted up to 8 seconds, and returned to place the duct tape, closing the shutter.
Below you can see the image of the “camera” I used.

I was very happy with the result, that I share with you today, World Day of Pinhole Photography.