Experimento: Joshua Bell en el Metro // Experiment: Joshua Bell at the subway

El 12 de enero de 2007, cerca de mil mañaneros pasajeros pasaron por una estación de Metro en Washington, DC, donde, sin publicidad, fueron invitados a un mini concierto gratuito interpretado por el virtuoso del violín Joshua Bell, que tocó durante aproximadamente 45 minutos, interpretando seis piezas clásicas (dos de los cuales fueron de Bach), en su violín hecho a mano por Stradivarius en 1.713 (por el que Bell pagó 3.5 millones de dólares).
Solo 6 personas se detuvieron y se quedaron a escuchar durante un rato. Alrededor de 20 le dieron dinero, pero continuaron caminando a su ritmo normal. Recolectó 32 dólares. Cuando terminó de tocar y el silencio volvió, nadie lo notó. Nadie aplaudió, ni hubo ningún reconocimiento. Nadie se dio cuenta de que uno de los mejores músicos del mundo había interpretado una de las piezas más intrincadas jamás escritas, con un violín de 3,5 millones de dólares.
El escritor del Washington Post Gene Weingarten organizó el evento como “un experimento en el contexto, la percepción y las prioridades, así como una evaluación ininterrumpida del gusto del público: en un entorno banal en un momento inconveniente, ¿trascendería la belleza?”
Cuando los niños ocasionalmente se detenían para escuchar, sus padres los agarraban y los guiaban rápidamente en su camino. El experimento planteó algunas preguntas interesantes sobre cómo no solo valoramos la belleza, sino hasta qué punto el entorno y la presentación establecen la diferencia. Tres días antes, Bell había tocado en una sala llena del Symphony Hall de Boston, donde las butacas costaron más de 100 dólares.

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On 12th January 2007, about a thousand morning commuters passing through a subway station in Washington, D.C. were, without publicity, treated to a free mini-concert performed by violin virtuoso Joshua Bell, who played for approximately 45 minutes, performing six classical pieces (two of which were by Bach), on his handcrafted 1713 Stradivarius violin (for which Bell reportedly paid $3.5 million).
Only 6 people stopped and stayed to listen for a while. About 20 gave him money but continued to walk their normal pace. He collected $32. When he finished playing and silence took over, no one noticed it. No one applauded, nor was there any recognition. No one noticed that one of the best musicians in the world had played one of the most intricate pieces ever written with a violin worth 3.5 million dollars.
Washington Post writer Gene Weingarten set up the event “as an experiment in context, perception and priorities — as well as an unblinking assessment of public taste: In a banal setting at an inconvenient time, would beauty transcend?”
When children would occasionally stop to listen, their parents would grab them and quickly usher them on their way. The experiment raised some interesting questions about how we not only value beauty, but extent that which the setting and presentation make a difference. Three days earlier, Bell had played to a full house at Boston’s Symphony Hall, where seats went for over $100.

(via: https://www.snopes.com/music/artists/bell.asp)

Naturaleza, silencio y calma // Nature, silence and calm (by Masao Yamamoto)

“En mi obra intento plasmar imágenes que expresen, según mi punto de vista, cuentos curiosos del mundo de la naturaleza, en la que incluyo al ser humano, en papel fotosensible y con el máximo de belleza y rigor posibles. Para todos aquellos que visiten y aprecien mi obra, espero poder trasladarles, a través de la misma, mi profundo respeto y veneración hacia todas las cosas que existen en este mundo.”
— Masao Yamamoto

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“In my work I try to capture images that express, according to my point of view, curious tales of the world of nature, in which I include the human being in photosensitive paper and with the maximum of beauty and rigor possible. For all those who visit and appreciate my work, I hope to be able to convey to them, through it, my deep respect and veneration for all the things that exist in this world.”
— Masao Yamamoto

Jarred & Displaced (by Christoffer Relander)

Christoffer Relander ha estado durante más de un año recolectando paisajes en tarros. Cada imagen esconde un hermoso paisaje en blanco y negro que se ve realzado por la pátina que consigue mediante el uso de su cámara analógica, una Mamiya RB67 Pro SD Medium Format SLR.

Christoffer Relander nació en Finlandia diciembre de 1986 y se crió en el campo de Ekenäs. Su interés por el arte comenzó a muy temprana edad, pero no fue hasta que sirvió en los Marines finlandeses, entre 2008 y 2009, cuando se enamoró de la fotografía.
En la actualidad trabaja como fotógrafo a tiempo completo.

Sobre su proceso de trabajo, Christoffer Relander explica:
«La realidad puede ser realmente hermosa, pero lo surrealista a menudo me absorbe. La fotografía para mí es una forma de expresar y estimular mi imaginación. La naturaleza es simplemente el mundo. Con las técnicas alternativas y experimentales que aporta la cámara, como las exposiciones múltiples, soy capaz de crear obras de arte que de otra manera sólo sería posible a través de la pintura o la manipulación digital en un software externo».

En Jarred & Displaced el fotógrafo finés afirma haber «realizado un sueño infantil». Relander juega con la idea de ser «un coleccionista ambicioso», que disfruta conservando sus ambientes en una gran colección personal. Fotografías todas ellas, llenas de melancolía, nostalgia y anhelos del pasado. «La mayoría de los paisajes son de donde crecí –dice–, en el campo en el sur de Finlandia, donde mis raíces todavía están vivas. La ansiedad de separación de mi infancia es simplemente lo que me absorbió en este proyecto».

Mediante exposiciones múltiples, Relander es capaz de manipular sus fotografías analógicas en la cámara. Destacar que en este proyecto el autor no ha utilizado ningún software externo como Photoshop. Todas las dobles exposiciones se han tomado en una película de medio formato que posteriormente Christoffer Relander ha desarrollado y escaneado. Estos bellos paisajes son impresos en papel de calidad museo y están disponibles en ediciones limitadas.

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Christoffer Relander has been for more than a year collecting landscapes in jars. Each image hides a beautiful black and white landscape that is enhanced by the patina he gets by using his analog camera, a Mamiya RB67 Pro SD Medium Format SLR.

Christoffer Relander was born in Finland in December 1986 and grew up in the Ekenäs camp. His interest in art began at a very early age, but it was not until he served in the Finnish Marines, between 2008 and 2009, when he fell in love with photography.
He currently works as a full-time photographer.

About his work process, Christoffer Relander explains:
“Reality can be really beautiful, but the surreal often absorbs me. Photography for me is a way of expressing and stimulating my imagination. Nature is simply the world. With the alternative and experimental techniques provided by the camera, such as multiple exposures, I am able to create works of art that would otherwise only be possible through painting or digital manipulation in external software.”

In Jarred & Displaced the Finnish photographer claims to have “made a childish dream”. Relander plays with the idea of ​​being “an ambitious collector”, who enjoys preserving his environments in a large personal collection. Photographs all of them, full of melancholy, nostalgia and yearnings of the past. “Most of the countryside is where I grew up,” he says, “in the countryside in southern Finland, where my roots are still alive. The separation anxiety of my childhood is simply what absorbed me in this project.”

Through multiple exposures, Relander is able to manipulate his analog photographs in the camera. Note that in this project the author has not used any external software such as Photoshop. All the double expositions have been taken in a medium format film that Christoffer Relander has subsequently developed and scanned. These beautiful landscapes are printed on museum quality paper and are available in limited editions.

(via: http://graffica.info/christoffer-relander-foto/)

In Memoriam: Louis Stettner (1922-2016)

Ha muerto a los 93 años Louis Stettner, un retratista callejero que trabajó fundamentalmente en Nueva York y Paris donde no quiso perderse el ir y venir, la gente y las vidas que poblaban sus avenidas.

Louis Stettner, nacido en 1922 en Brooklyn, Nueva York, se dedicaba a la fotografía y a la pintura desde la década de 1950. En la II Guerra Mundial se alistó en el ejército como fotógrafo, cuando acabó la contienda decidió quedarse allí a vivir.
Aunque se formó en la cooperativa Photo League y tuvo como mentor a Sid Grossman, lo que más le influyó de esos aprendizajes fue su pasión por documentalismo con conciencia social. Trabajó para varios medios como las revistas Life, Time, Paris Match, Fortune o National Geographic y siempre se mantuvo fiel al blanco y negro.

Su ultima exposición fue retrospectiva que estuvo hasta el pasado mes de septiembre en el Centro Pompidou, París.

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Louis Stettner has died at age 93, a street portraitist who worked primarily in New York and Paris where not want to miss the coming and going, people and lives that filled the avenues.

Louis Stettner, born in 1922 in Brooklyn, New York, was dedicated to photography and painting since early 1950. In World War II he enlisted in the army as a photographer, when he finished the race decided to stay there to live.
Although he was formed in the cooperative Photo League and was mentored by Sid Grossman, what most influential of these learning was his passion for socially conscious documentary. He worked for various media such as magazines Life, Time, Paris Match, National Geographic and Fortune and always remained faithful to black and white.

His last exhibition was retrospective that was until last September at the Centre Pompidou, Paris.

(via: http://www.xatakafoto.com/fotografos/muere-el-fotografo-louis-stettner)

La calle (by Alex Webb)

Cuando el fotógrafo Alex Webb visitó por primera vez México en 1975, fue inmediatamente cautivado por la intensa luz, el color, y la energía de sus calles. Durante las próximas décadas, regresaría en numerosas ocasiones, llegando a la frontera EEUU-México, y luego hacia el sur de México en los años 1980 y ’90. Dejando sus ideas preconcebidas a un lado, permitió que su cámara le condujera.
“Yo trabajo de una forma extremadamente intuitiva”, dijo Webb en una entrevista reciente en la Galería Aperture, donde su exposición “La Calle” se encuentra actualmente expuesta. “Vago, respondo. No trabajo en absoluto de forma racional. ¿Soy consciente de ciertos elementos racionalmente a veces? Por supuesto. Pero creo que a menudo cuando más consciente estoy de ellos, generalmente significa que la imagen se desinfla.”
Las imágenes resultantes son de varias capas y evocadoras. En cada una de sus fotografías de calle, Webb destila estilo, luz, y tensiones culturales en tramas individuales, que fascinantemente transmiten misterio, ironía y humor. Ahora, “La Calle”, libro fotográfico y la exposición correspondiente, reunirá más de treinta años de imágenes de Webb. La obra conmemora la calle mexicana como un referente político-social-aunque haya experimentado una transformación significativa desde los primeros viajes de Webb por el país.
A lo largo del libro de fotos, con textos encargados a notables autores mexicanos y mexicano-americanos Guillermo Arriaga, Álvaro Enrigue, Valeria Luiselli, Guadalupe Nettel, y Mónica de la Torre se presta una mayor comprensión de los roles que las calles han jugado durante generaciones, reflejando el pasado de México, proyectado hacia su futuro, y proporcionando un escenario para el teatro de la vida cotidiana.

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When photographer Alex Webb first visited Mexico in 1975, he was immediately captivated by the intense light, color, and energy of its streets. Over the next few decades, he would return numerous times, drawn to the U.S.-Mexico border, and then into southern Mexico in the 1980s and ’90s. Casting his preconceptions aside, he allowed his camera to lead him.
“I work extremely intuitively,” Webb said in a recent interview at the Aperture Gallery, where his exhibition La Calle is currently on view. “I wander, I respond. I don’t work rationally at all. Am I aware of certain elements rationally at times? Sure. But I think that often when I am more aware of them, it usually means that the picture falls flat.”
The resulting images are multilayered and evocative. In each of his street photographs, Webb distills gesture, light, and cultural tensions into single, mesmerizing frames that convey mystery, irony, and humor. Now, La Calle, a photobook and corresponding exhibition, bring together over thirty years of Webb’s images. The work commemorates the Mexican street as a sociopolitical bellwether—albeit one that has undergone significant transformation since Webb’s first trips to the country.
Throughout the photobook, commissioned texts by noted Mexican and Mexican-American authors Guillermo Arriaga, Álvaro Enrigue, Valeria Luiselli, Guadalupe Nettel, and Mónica de la Torre lend further insight into the roles the streets have played for generations, reflecting Mexico’s past, projecting into its future, and providing a stage for the theatre of everyday life.

(via: http://www.vimeo.com)

Paris stenop.es, un proyecto de película pinhole // Paris stenop.es, a pinhole movie project (by Romain Alary)

Este video es parte de un proyecto de película pinhole basado en el principio de Cámara Oscura. Un apartamento en completa oscuridad. Un agujero es realizado en una ventana, dejando que las luces de fuera entren. Las proyecciones tienen lugar en cualquier lugar del interior.
Stenop.es busca lugares impresionantes para continuar su trabajo visual.

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This video is a part of a pinhole movie project based on the principle of the Camera Obscura. An apartment is completely darkened. A hole is made in a window, letting lights from outside coming in. Projections are taking place everywhere inside.‬
‪Stenop.es is looking for amazing places in order to continue its visual work.

(via: https://vimeo.com/37102493)

Momentos hechos de nada // Moments made of nothing (by Bernard Plossu)

“Reflexionando sobre la idea del instante no decisivo, pienso que la fotografía habla de momentos que parecen sin importancia pero que sí la tienen: Momentos hechos de nada.” – Bernard Plossu

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“Reflecting on the idea of no decisive moment, I think the picture speaks of moments that seem unimportant but do have: Moments made of nothing.” – Bernard Plossu

Eugenio Recuenco para Vogue // Eugenio Recuenco for Vogue

El trabajo de Eugenio Recuenco es simplemente fantástico!

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The work from Eugenio Recuenco is simply fantastic!

Saul Leiter & Miles Davis

Sólo fotos de un genio como Saul Leiter con la música de un genio como Miles Davis. ¿Qué más se puede pedir?
Recomiendo subir volumen y verlo a pantalla completa. Disfrutad!

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Just pictures from a genius as Saul Leiter with music from a genius as Miles Davis. What else can one ask for?
I recommend volume up and watch it full screen. Enjoy!

Conversación con Elliott Erwitt // A conversation with Elliott Erwitt

El equipo de producción de vídeo italiano Moviechrome filmó recientemente esta breve entrevista con el reconocido fotógrafo documentalista estadounidense Elliott Erwitt en su estudio con vistas a Central Park en Nueva York.

Esto es lo que el fotógrafo de 87 años de edad dice acerca de esta etapa de su carrera: “Tengo mi personal vida fotográfica, que es hacer libros y proyectos y exposiciones. Cuando te haces mayor, si has establecido una reputación, es un buen momento. Cosechas tus esfuerzos de tu vida pasada.”

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Italian video production team Moviechrome recently filmed this short interview with renowned American documentary photographer Elliott Erwitt at his studio overlooking Central Park in New York City.

Here’s what the 87-year-old photographer says about this stage of his career: “I have my personal photographic life, which is doing books and projects and exhibitions. When you get older, if you’ve established a reputation, it’s a good time. You harvest your efforts of your past life.”

(via: http://petapixel.com/2015/03/10/a-conversation-with-photographer-elliott-erwitt/)