Grandes del Jazz // Jazz greats (by Herman Leonard)

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El saxofonista y ex presidente Bill Clinton, llamó en una ocasión a Herman Leonard “el más grande fotógrafo de jazz en la historia del género,” cuando su biblioteca presidencial llevó mostró la obra de Leonard en 2013. Este mes, el Instituto Smithsonian alberga una exposición de fotografías de Leonard extraída de sus extensas propiedades. “En el surco: Retratos de Jazz de Herman Leonard”, que abrió la semana pasada en la National Portrait Gallery y estará hasta el 20 de febrero de 2017, extrae un portfolio de 30 de impresiones que incluyen algunas de las imágenes más icónicas de Leonard. Realizadas entre 1948 y 1960, representan vocalistas e instrumentistas que trabajan en estilos que van desde el dixieland y bebop hasta el jazz más cool, de Sarah Vaughan y Louis Armstrong a Quincy Jones y Frank Sinatra.

Leonard comenzó su carrera como aprendiz de fotógrafo Yousuf Karsh, y abrió un estudio en Greenwich Village en 1948. Durante cerca de una década fotografió a los músicos en el trabajo, haciendo que las imágenes que aparecían en las portadas de álbumes y en revistas como DownBeat y Metronome. En 1956 viajó por Asia como fotógrafo personal de Marlon Brando, y después se trasladó a París, donde fotografió la escena del jazz antes de pasar al trabajo de moda y publicidad en los años 1960 y 70. En la década de 1980, regresó a sus negativos de jazz, la publicación de libros y la toma de impresiones que han aparecido en numerosos programas y sirvió como un registro visual de la forma de arte. “Gracias a estas notables fotografías, tenemos asientos de primera fila a una época dorada en el jazz americano”, dice el curator del espectáculo Ann Shumard.

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Saxophonist and former President Bill Clinton once called Herman Leonard “the greatest jazz photographer in the history of the genre,” when his Presidential Library held a show of Leonard’s work in 2013. This month, the Smithsonian Institution hosts an exhibition of Leonard’s photographs drawn from their extensive holdings. “In the Groove: Jazz Portraits by Herman Leonard,” which opened last week at the National Portrait Gallery and runs until Feb. 20, 2017, is drawn from a 30-print portfolio that includes some of Leonard’s most iconic images. Made between 1948 and 1960, they depict vocalists and instrumentalists working in styles ranging from Dixieland and bebop to cool jazz, from Sarah Vaughan and Louis Armstrong to Quincy Jones and Frank Sinatra.

Leonard began his career as an apprentice to portrait photographer Yousuf Karsh, and opened a studio in Greenwich Village in 1948. For close to a decade he photographed musicians at work, making images that appeared on album covers and in magazines such as DownBeat and Metronome. In 1956 he traveled around Asia as a personal photographer for Marlon Brando, and afterwards moved to Paris, where he photographed the jazz scene before turning to fashion and advertising work in the 1960s and 70s. In the 1980s, he returned to his jazz negatives, publishing books and making prints that have appeared in numerous shows and served as a visual record of the art form. “Thanks to these remarkable photographs, we have front-row seats to a golden era in American jazz,” says the show’s curator Ann Shumard.

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(via: http://potd.pdnonline.com/2016/08/40650/)

Amigas, New York City // Friends, NYC (by Ruth Orkin, 1947)

Ruth Orkin, Friends, NYC, 1947

“Mi madre decía que cuando era joven yo estaba constantemente diciendo “Mira esto – Mira eso”. Creo que hacer fotografías debe ser mi forma de pedir a la gente a mirar esto – mirar eso. Si mis fotografías hacen que el espectador sienta lo que yo cuando las hice – ¿no es divertido… terrible… emocionante… hermoso? – entonces, he logrado mi propósito.”
— Ruth Orkin

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“My mother said that when I was young I was constantly saying, Look at this – Look at that. I think that taking pictures must be my way of asking people to Look at this – Look at that. If my photographs make the viewer feel what I did when I first took them – Isn’t this funny… terrible… moving… beautiful? – then I’ve accomplished my purpose.”
— Ruth Orkin

Paul Outerbridge y el color // Paul Outerbridge and the color

Paul Outerbridge, Self-portrait on Lounge, Oceanside Resort, Santa Monica, California, circa 1950

“Una diferencia muy importante entre el color y la fotografía monocromática es esta: en blanco y negro sugieres, en color afirmas. La sugestión puede implicar mucho, pero la afirmación exige certeza… absoluta certeza.”
— Paul Outerbridge

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“A very important difference between color and monochrome photography is this: In black and white you suggest, in color you affirm. The suggestion can involve much, but the assertion requires certainty… absolute certainty.”
— Paul Outerbridge

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Paul Outerbridge Airport Café with Band Mexico 1950

Paul Outerbridge, Airport Lounge, Mexico, circa 1950

Paul Outerbridge, Carnival Carriage, Mexico, circa 1950

"Lulu Belle", Restaurant and Bar, Las Vegas, c. 1948

“Lulu Belle”, Restaurant and Bar, Las Vegas, c. 1948

Gas Station, Mazatlan, Mexico, c. 1952

Gas Station, Mazatlan, Mexico, c. 1952

3. Women by Car, Laguna Beach, c. 1950

3. Women by Car, Laguna Beach, c. 1950

Woman with Turquoise Dress, Laguna Beach, California, c. 1952

Woman with Turquoise Dress, Laguna Beach, California, c. 1952

Woman with Blue Dress and Pendant Necklace, Laguna Beach, c. 1952

Woman with Blue Dress and Pendant Necklace, Laguna Beach, c. 1952

Man at Travel Agency, Mexico, c. 1950

Man at Travel Agency, Mexico, c. 1950

(via: http://ojoacromatico.blogspot.com.es/2016/07/paul-outerbridge-pionero-maldito.html)

Biloxi, Mississippi (by William Eggleston, 1972)

William Eggleston

“Yo solo hago una fotografía de una cosa. Literalmente. Nunca dos. Así que, después de sacar esa imagen la siguiente está esperando en algún otro sitio… Se puede hacer una buena fotografía de cualquier cosa. Y una mala también.”
— William Eggleston

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“I shoot only a picture of something. Literally. Never two. So, after taking that picture the next one is waiting somewhere else… You can make a good photograph of any thing. And one bad too.”
— William Eggleston

Madonna (by Bruce Webber, 1986)

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“Siempre he sido tímido, y en parte por esto es por lo que elegí una vida tras la lente. Me gusta que la gente mire mi trabajo, y espero que este hable por sí solo.”
— Bruce Webber

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“I’ve always been shy and that’s partly why I chose a life behind the lens. I like people to look at my work and hopefully it speaks for itself.”
— Bruce Webber

Mañana temprana en el Támesis // Early morning on the Thames (by Bill Brandt, 1939)

Early Morning on the Thames, London photo by Bill Brandt, 1939

“No estoy muy interesado en ángulos extraordinarios. Pueden ser eficaces en ciertas ocasiones, pero no siento la necesidad de ellos en mi propio trabajo. De hecho, siento que el enfoque más simple a menudo puede ser más eficaz. Un objeto colocado en ángulo recto en el centro del encuadre, si la atención no es distraída por un entorno exigente, tiene una dignidad simple que hace que sea aún más impresionante.” – Bill Brandt

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“I am not very interested in extraordinary angles. They can be effective on certain occasions, but I do not feel the necessity for them in my own work. Indeed, I feel the simplest approach can often be most effective. A subject placed squarely in the centre of the frame, if attention is not distracted from it by fussy surroundings, has a simple dignity which makes it all the more impressive.” – Bill Brandt