Patrick y Teri leyendo a Baudelaire // Patrick and Teri reading Baudelaire (by Nan Goldin, 1987)

Nan Goldin es una fotógrafa cuyo estilo estético es muy similar al de la fotografía personal (en una especie de camino de “fotografía amateur no-artística”). Su trabajo (o al menos sus primeros trabajos), a pesar de ser muy conocidos y bien expuestos serían fácil que encontraran un hogar en la página tumblr personal de alguien, o en un diario / álbum personal. La sensibilidad orgánica y humana de estas fotos no es ninguna sorpresa teniendo en cuenta cómo funciona Goldin; “Yo no selecciono personas para fotografiarlas; fotografío directamente de mi vida. Estas imágenes vienen de relaciones, no de la observación.” Su deseo es “preservar el sentido de la vida de las personas” (Goldin, 2004, pg6). Su habilidad para capturar este sentido inmediato de la vida de alguien confirma la metáfora de Susan Sontag de “fotografías como reliquias de la gente, de lo que una vez fueron… la cámara quieta enbalsama” (Wells, 1996, PG27). ‘Patrick y Teri leyendo Baudelaire’ es mi obra favorita de Goldin. Es peculiar en su intimidad; la idea de que esta pareja de recién casados ​​permitiera a Goldin entrar en su más íntimo entorno. La iluminación de lampara de cama al límite de una toma con flash; una mirada inmediata casi de turista negada por el intenso confort que los sujetos parecen tener. Hay algo importante que está al acecho detrás de esta foto mundana, aunque tal vez sólo se hace trascendental por el acto de la propia fotografía. Robert Frank sintió que “ninguna de las muchas escenas que suceden en el mundo se invierten en ningún significado especial, aunque algunas pueden hacerse distintivas por el hecho mismo de ser fotografiadas” (Price, 1996, PG100). Estos momentos, sin embargo, que Goldin fotografía no se toman para dar un significado especial a ellos, sino porque Goldin “nunca ha querido ser susceptible a la versión de nadie más sobre [su] historia” (Goldin, 2004, PG9). La fotografía de Goldin se refiere a la idea de lo que la fotografía es para Price “considerada como un medio a través del cual podemos expresar y articular nuestra propia particularidad y diferencia” (Price, 1196, pg106).

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Nan Goldin is a photographer whose aesthetic style is very similar to that of personal photography (in an amateur “non-art photography” sort of way). Her work (or at least her early work), despite being well renowned and well exhibited would easily find a home on someone’s personal tumblr page, or in a personal diary/album. The organic and human sensibility to these photos comes as no surprise considering how Goldin works; “I don’t select people in order to photograph them; I photograph directly from my life. These pictures come out of relationships, not observation.” Her desire is to “preserve the sense of people’s lives” (Goldin, 2004, pg6). Her ability to capture this immediate sense of someone’s life confirms Susan Sontag’s metaphor of “photographs as relics of people as they once were… the still camera embalms” (Wells, 1996, pg27). ‘Patrick and Teri reading Baudelaire’ is my favourite work by Goldin. It is peculiar in its intimacy; the idea that this newly married couple would allow Goldin into their most intimate surrounding. The bedside lighting bordering on a snapshot flash; an almost tourist gaze immediately negated by the intense comfort the subjects seem to be having. There’s something momentous lurking behind this mundane photo, though perhaps it is only made momentous by the act of photography itself. Robert Frank felt that “none of the many scenes that happen in the world are invested in any special meaning, although some may be made distinctive by the very act of being photographed” (Price, 1996, pg100). These moments though, that Goldin photographs are not taken to impart a special meaning on them, but because Goldin doesn’t “ever want to be susceptible to anyone else’s version of [her] history” (Goldin, 2004, pg9). Goldin’s photography pertains to Price’s idea of photography being “regarded as a means through which we can express and articulate our own particularity and difference” (Price, 1196, pg106).

(via: http://killforsalad.wordpress.com/2012/03/28/personal-photography-in-the-digital-age-and-the-aesthetics-of-tumblr/)

¿Pero qué hace ese tipo con una cámara aquí? // What was that guy with a camera here?

El soldado Houston S. Riley, durante el desembarco. // Soldier Houston S.Riley while landing.

 

Hoy se cumplen 70 años del desembarco de Normandía.

Houston S. Riley, de la compañía Fox, se arrastraba hacia la playa bajo la metralla, esquivando cuerpos y material abandonado de los que iban por delante. Los obstáculos que los alemanes habían plantado en medio de la arena para impedir la llegada de los tanques servían de parapeto momentáneo, y hasta uno de esos erizos metálicos llegó desde la lancha. Allí se encontró con un tipo que llevaba escrita la leyenda ‘Press’ en sus galones. “¿Pero qué hace ese tipo con una cámara aquí?”. Era Robert Capa.

Durante años el rostro anónimo de una de las fotos más famosas de la II Guerra Mundial se atribuyó al sargento Regan, de Atlanta. Había sido uno de los jóvenes estadounidenses que había desembarcado y sobrevivido al infierno de Omaha Beach, una de las playas designadas por los aliados para la liberación de Europa. Pero el historiador Lowell L. Getz descubrió que, en realidad, se trataba de otro de la compañía Fox: el espigado Houston S. Riley, un chaval de Mercer Island, en el estado de Washington.

Riley, que siempre se ha reconocido en la foto de Capa, no era un inexperto. Había desembarcado en Marruecos con las tropas del general Patton, así como en Sicilia y en Italia ese mismo año. Su compañía fue elegida para viajar en la primera oleada de invasión por ese mismo motivo.

En ese momento de confusión, ruido atroz y muerte a su alrededor, el soldado Riley fue herido de dos balazos. El primero le rozó el cuello y el segundo se quedó incrustado en su espalda. Otro militar tiró de él hacia la arena desde un lado. Cómo él mismo recuerda a una entrevista concedida a Getz, “el fotógrafo me agarró desde el otro lado y ambos me sacaron del agua”. Es decir, que Capa pudo haberle salvado la vida, a pesar de que temía por la suya propia, como dejó escrito en su autobiografía, ‘Ligeramente desenfocado’: “La cámara me temblaba en las manos. Era un tipo de miedo nuevo que me estremecía desde el último pelo hasta la punta del pie”. La operación se inició a las 6:30 de la mañana después de un intenso bombardeo.

En el camino hacia la playa muchos soldados vomitaron en la lancha. La embarcación, con matrícula LCI85, chocó contra una banco de arena y los militares tuvieron que avanzar más de 100 metros hasta la orilla. Muchos se ahogaron por el peso del equipo y la mayoría tardó media hora o más en cruzar esos 100 metros de la muerte. El 40% de esos soldados de la primera oleada de Omaha ‘la sangrienta’ resultaron muertos o heridos de gravedad. Además, y a diferencia del resto de playas, la de Omaha estaba custodiada por una división alemana de veteranos del frente ruso, mucho más duros y expertos que los adolescentes que esperaban en el resto de objetivos de aquella mañana, destinados a británicos, franceses y canadienses.

Capa habla en su libro de un soldado con el que compartió un obstáculo, pero nunca supo su nombre. Riley tampoco volvió a ver a Capa, que murió en 1954 en Vietnam, pero sí llegó a conocer al soldado Regan, de Atlanta, con el que muchos le habían confundido años antes. “El reconoció que no se parece al de la foto, así que nos reímos mucho con eso”, le dijo en la entrevista a Lowell L. Getz. Hoy sigue viviendo en la casa que sus padres construyeron junto a la playa.

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Today is the 70th anniversary of the Normandy landings.

Houston S. Riley, of Fox Company, crawled onto the beach under fire, dodging bodies and abandoned material from those who were ahead. The obstacles that the Germans had planted in the middle of the sand to prevent the arrival of tanks served as momentary parapet, and even one of those metal hedgehogs came from the boat. There he met a guy who had written the legend ‘Press’ in their stripes. “What was that guy with a camera here?”. It was Robert Capa.

For years the anonymous face of one of the most famous photographs of World War II was attributed to Sergeant Regan, from Atlanta. He had been one of the young Americans that had landed and survived the hell of Omaha Beach, one of the beaches designated by the Allies for the liberation of Europe. But the historian Lowell L. Getz discovered that in fact he was another one from Fox Company: eared Houston S. Riley, a boy of Mercer Island in Washington state.

Riley, who has always been recognized by himself in Capa’s photo was not a novice. He had landed in Morocco with the troops of General Patton, as well as in Sicily and Italy that year. His company was chosen to fly in the first wave of invasion for the same reason.

In that moment of confusion, noise and excruciating death about him, soldier Riley was wounded by two bullets. The first grazed his neck and the second became embedded in his back. Another soldier pulled him to the sand from one side. How he remembers an interview with Getz, “the photographer grabbed me from the other side and they took me out of the water.” I.e. that Capa could have saved his life, although he feared for his own, as he left written in his autobiography, ‘Slightly out of focus’: “The camera shaking in my hands. It was a new kind of fear that I shuddered from the last hair to toe”. The operation began at 6:30 in the morning after a heavy bombardment.

On the way to the beach vomited many soldiers in the boat. The vessel, registered LCI85, struck a sandbar and the military had to move more than 100 meters to shore. Many were drowned by the weight of the equipment and most took half an hour or more to cross the 100 meters death. 40% of those soldiers of the first wave of Omaha ‘bloody’ were killed or seriously injured. Moreover, unlike the other beaches, Omaha was guarded by a German division veterans of Russian front, much harder and skilled than the teenagers waiting in the other objectives that morning, for British, French and Canadian.

Capa speaks in his book about a soldier with whom he shared an obstacle, but never knew his name. Riley also never saw again Capa, who died in 1954 in Vietnam, but came to know the soldier Regan, of Atlanta, with which many mistook him years before. “He recognized that does not look like to the one in the picture, so we laughed a lot with that,” he said in the interview with Lowell L. Getz. Today still lives in the house that her parents built along the beach.

(via: http://www.elmundo.es/internacional/2014/06/06/5391423ce2704e49188b456c.html)

Eden, Colorado (by Robert Adams, 1968)

“Ningún lugar es aburrido si se ha tenido una buena noche de sueño y se tiene el bolsillo lleno de película sin exponer.” – Robert Adams

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“No place is boring if you’ve had a good night’s sleep and have a pocket full of unexposed film.” – Robert Adams

Blue Ridge Parkway, Virginia (by Paul Caponigro, 1965)

“Una cosa es hacer una fotografía de lo que una persona parece, otra cosa es hacer un retrato de lo que son.” – Paul Caponigro

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“It’s one thing to make a picture of what a person looks like, it’s another thing to make a portrait of who they are.” – Paul Caponigro

Les indiscrètes // El indiscreto // The indiscreet (by Jeanloup Sieff)

“El impulso que lleva a hacer una imagen es una cosa que no se puede compartir con nadie, incluso si se explica. Lo que queda es una superficie que vivirá su propia vida, que pertenecerá a todo el mundo. Acepto esa superficie.” – Jeanloup Sieff

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“The impulse that led you to make an image is a thing that you cannot share with anyone, even if you explain it. What remains is a surface that will live its own life, that will belong to everybody. I accept that surface.” – Jeanloup Sieff

Silla en la ventana // Chair by the window (by Josef Sudek, 1972)

“Me encanta la vida de los objetos. Cuando los niños se van a la cama, los objetos cobran vida. Me gusta contar historias sobre la vida de objetos inanimados.” – Josef Sudek

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“I love the life of objects. When the children go to bed, the objects come to life. I like to tell stories about the life of inanimate objects.” – Josef Sudek

Presente histórico // Historic present (by Sungseok Ahn)

Al igual que la serie del fotógrafo húngaro Zoltan Kereniy con fotografías antiguas y nuevas de Budapest, el fotógrafo surcoreano Ahn Sungseok yuxtapone imágenes del pasado y del presente de Seúl en su serie “presente histórico”.

Utilizando de un proyector y una pantalla portátil, él proyecta grandes fotografías en blanco y negro de los templos y edificios de Seúl, y los compara con sus ubicaciones actuales.

Las imágenes resultantes exploran el paso del tiempo y el espacio, y ofrecen un vistazo a cuánto las áreas han cambiado con los años.

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Like Hungarian photographer Kereniy Zoltan’s series featuring old and new photographs of Budapest, South Korean photographer Sungseok Ahn juxtaposes images of past and present Seoul in his series ‘Historic Present.’

Using a projector and a portable screen, he projects large black-and-white photographs of Seoul’s temples and buildings, and contrasts them with their present-day locations.

The resulting images explore the passage of time and space, and offer a look at how much the areas have changed through the years.

(via: http://sungseokahn.com/index.php/works/historic-present/
http://designtaxi.com/news/365662/Photographer-Blends-Images-Of-Past-Present-Seoul-In-Nostalgic-Photo-Series)

Nueva York vacío // Empty New York (by Duane Michals)

El fotógrafo con sede en Nueva York, Duane Michals “siempre encuentra nuevas maneras de entender la experiencia humana a través de su combinación peculiar de filosofía, humor, historia y cruda emoción”, dice DC Moore Gallery, que actualmente está mostrando el trabajo de Michals sobre New York City desde mediados de los años 60.

“Duane Michals: Nueva York vacío”, incluye treinta exquisitas impresiones, grabadas en rara gelatina de plata. Aunque muchas son pequeñas, alrededor de 5″x7″, las impresiones atraen.

Michals ha influenciado a muchos fotógrafos, entre ellos Tim Sotero, que puede ser el mayor fan de Michals. Sotero lleva esta cita inspirada de Michals en su cartera:

“Hágalo. Usted tiene dos opciones en la vida – hacer y “tontear”. Odio a los fotógrafos que hablan de fotografías pero nunca hicieron ninguna. Y la única manera que usted alguna vez crecerá… dos cosas, uno tiene que asumir riesgos, hay que ser capaz de dejar de lado todas las ideas preconcebidas de lo que la fotografía debe ser, y abrirse a las posibilidades. De lo contrario uno va a estar girando sus ruedas el resto de su vida.” – Duane Michals

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New York City-based photographer Duane Michals “always finds new ways to understand the human experience through his idiosyncratic combination of philosophy, humor, history, and stark emotion,” says DC Moore Gallery, which is currently showing Michal’s work from New York City in the mid-60′s.

“Duane Michals: Empty New York”, includes thirty expertly printed, rare gelatin silver prints. Though many are small, around 5″x7″, the prints draw you in.

Michals has influenced many photographers, including Tim Soter, who may be Michal’s biggest fan. Soter carries this inspirational quote from Michals in his wallet:

“Do it. You have two choices in life – doing and bullsh*t. I hate photographers who talk about photographs but never take any. And the only way you’re ever going to grow… two things, one you have to take risks, you have to be able to let go of all your preconceived notions of what photography should be, and open yourself to the possibilities. Otherwise you’re going to be spinning your wheels the rest of your life.” – Duane Michals

(via: http://potd.pdnonline.com/2014/05/27016)

Circo, Budapest // Circus, Budapest (by André Kertész, 1920)

Durante sus viajes por Budapest, Kertész se encontró esta situación y utilizó su ojo fotográfico para encuadrar la imagen con gran acierto. La fotografía, dividida en secciones horizontales de madera, tela y hierba (y bisecada verticalmente por el hombre y la mujer, de pie juntos), presenta gran forma y simetría. Las líneas de la madera y la tela quedan realzadas por la ropa y los tocados de la pareja, que con estilo y textura libres, aparecen en relieve sobre las lineas verticales del tablaje vertical.

La fotografía que André Kertész tomó de una pareja mientras miraban a través de una abertura en la pared de un circo, posee todo el misterio del mejor documental callejero. La pareja es ajena a la presencia del fotógrafo y está tan fascinada por lo que pasa en el interior que casi podemos visualizar la escena oculta. Ocurre algo tras la fotografía que vemos, pero Kertész se conforma con relatar esta sencilla historia de curiosidad y concentración. Demuestra lo que se puede conseguir con una aguda observación y fotografías hechas a gran velocidad. (Val Williams)

“Para mí, la cámara era una pequeña libreta, un cuaderno de bocetos. Fotografiaba aquello que me rodeaba: seres humanos, animales, mi hogar, las sombras, campesinos, la vida circundante. Siempre fotografiaba lo que el momento me pedía.” – André Kertész

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During his travels in Budapest, Kertesz found this situation and used his photographic eye to frame the picture with great success. The photograph, divided into horizontal sections of wood, fabric and grass (and vertically bisected by the man and woman standing together) presents great shape and symmetry. The lines of the wood and fabric are enhanced by the clothing and headgear of the couple that with free style and texture appear in relief on the vertical lines vertical planking.

The photograph André Kertész took to a couple as they looked through an opening in the wall of a circus, has all the mystery of the best street documentary. The couple is oblivious to the presence of the photographer and are so fascinated by what goes on inside that we can almost see the hidden scene. Something happens behind the photo we see, but Kertész conforms to tell this simple story of curiosity and concentration. He demonstrate what can be achieved with an acute observation and photographs taken at high speed. (Val Williams)

“For me the camera was a little notebook, a sketchbook. I photographed what surrounded me: humans, animals, my home, shadows, peasants, the surrounding life. I always photographed what the moment asked me.” – André Kertész

Hotel perpetuo // Timeless Hotel (by Mirko Rotondi)

“Presencia y ausencia… sonidos y silencios… camas vacías… o dejadas sin cubrir por alguien… un teléfono utilizado.
Habitación tras habitación, las sensaciones se repiten… diferentes ciudades que reflejan y combinan a la perfección con el interior… diferentes escenarios… diferentes arquitecturas… pero un sentimiento común de estupefacción y meditación.
Es simplemente increíble que cambiando nuestro punto de vista sobre las cosas, podemos cambiar la percepción del tiempo y el espacio… la percepción de la vida.

La idea de esta serie nació para contar, de la forma más natural e intensa, el silencio interior que podemos sentir frente a una vista partida, donde un espacio vacío, y la imagen de una ciudad que todavía vive en las profundidades de la noche, dialogan sin palabras.

Ninguna manipulación digital, cada elemento se grabó en una sola toma. Exposiciones largas y aberturas pequeñas para conseguir el máximo de profundidad de campo, para capturar los detalles.
Las luces de neón y trazos luminosos, que dejaron atrás los taxis que funcionan en noches tropicales, transportando otras vidas a otras habitacione, identidades en tránsito en lugares atemporales.” – Mirko Rotondi

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“Presence and absence… sounds and silences… empty beds… or left uncovered from someone… a utilized phone.
Room after room, sensations repeat… different cities reflecting and blend perfectly with the inside…different scenaries… different architectures… but a common feeling of stupefaction and meditation.
It’s simply awesome that changing our point of view on the things, we can change the perception of Time and Space… the perception of Life.

The idea of this series was born to tell, with the most natural and intense way, the silence within that we can feel in front of a broken view, where an empty space, and the image of a city that still lives in the deep of the night, dialog without words.

No digital manipulation, each element was recorded in a single shoot. Long exposures and small apertures to get the maximum deep of field, to capture details.
Neon lights and luminous tracks, left behind from taxis running in the tropical nights, transporting other lifes in other rooms, transit identities in the timeless places.” – Mirko Rotondi

(via: http://www.mirkorotondi.com)